รายละเอียดเนื้อหาคอร์ส

1. Structure & Form

โครงสร้างเพลงและการออกแบบฟอร์ม

Session แรกจะวางพื้นฐานเรื่อง “ภาพใหญ่ของเพลง” ว่าเพลงหนึ่งเพลงไม่ได้ประกอบจากท่อนต่าง ๆ แบบสุ่ม แต่มีการออกแบบ flow, energy, tension และ release อย่างเป็นระบบ

หัวข้อหลัก

• Intro, Verse, Pre-Chorus, Chorus, Post-Chorus, Bridge, Outro
• Hook placement: hook อยู่ตรงไหนของเพลงได้บ้าง
• Energy map ของเพลง Pop สมัยใหม่
• การวางท่อนเพื่อให้เพลงเดินหน้า ไม่วนอยู่กับที่
• Form แบบ T-Pop / Inter Pop / K-Pop / J-Pop ต่างกันอย่างไร
• ปัญหาฟอร์มเพลงที่พบบ่อยในเพลงมือใหม่

Assignment

• วิเคราะห์ structure ของเพลงอ้างอิง 2–3 เพลง
• ออกแบบ form เพลงของตัวเอง 1 เพลง

2. Basic Composition Revise

ทบทวนและอัปเกรดพื้นฐานการแต่งเพลง

Session นี้เป็นการ revise แกนสำคัญจาก VCA101 แต่ไม่ใช่การเรียนซ้ำแบบพื้นฐานทั้งหมด เป้าหมายคือเช็กว่าองค์ประกอบพื้นฐานที่ผู้เรียนมีอยู่ ใช้งานได้จริงพอจะต่อยอดหรือยัง

หัวข้อหลัก

• Motif, phrase, repetition, variation
• Question & answer phrase
• Tension & resolution เบื้องต้น
• การเช็กว่าเมโลดี้มีประโยคจริงหรือไม่
• การเช็กว่าเพลงมี direction หรือแค่เอาโน้ตมาต่อกัน
• วิธีแก้เพลงที่แต่งค้างไว้แล้วไปต่อไม่ได้
• Common mistakes ของคนที่แต่งเพลงมาสักพักแต่เพลงยังไม่แข็งแรง

Assignment

• นำไอเดียเพลงเก่าของตัวเองมา revise
• แก้ phrase / motif / ทิศทางเพลงให้ชัดขึ้น

3. Melody & Rhythm

เมโลดี้ ริธึม และการสร้าง Hook

Session นี้โฟกัสที่หัวใจของ songwriting คือ “เมโลดี้” โดยเฉพาะการทำให้เมโลดี้จำง่าย มีคาแรกเตอร์ และมีจังหวะที่ทำให้เพลงติดหู

หัวข้อหลัก

• Melodic contour: เมโลดี้ควรขึ้นลงอย่างไร
• Range และจุดพีคของเมโลดี้
• Repetition vs variation
• Rhythmic hook และจังหวะของวลี
• Syncopation ในเพลง Pop
• การทำให้เมโลดี้ร้องง่ายแต่ไม่จืด
• ความสัมพันธ์ระหว่างเมโลดี้กับคำร้อง
• Verse melody vs Chorus melody

Assignment

• แต่ง hook 3 แบบจาก chord progression เดียวกัน
• ทดลองเปลี่ยน rhythm ของเมโลดี้เพื่อเปลี่ยนอารมณ์เพลง

4. Chord

คอร์ดในเพลง Pop สมัยใหม่

Session นี้สอนการใช้คอร์ดในฐานะ “เครื่องมือเล่าอารมณ์” ไม่ใช่แค่การจำ progression โดยเน้นคอร์ดที่ใช้ได้จริงในเพลง Pop, R&B, J-Pop, K-Pop และเพลงตลาดสมัยใหม่

หัวข้อหลัก

• Functional harmony แบบใช้งานจริง
• Common pop progression
• Loop-based harmony
• Cadence และความรู้สึกของการจบประโยค
• Chord color: maj7, m7, sus, add9, slash chord
• การเลือกคอร์ดให้เข้ากับ mood เพลง
• คอร์ดที่ทำให้เพลงดู modern ขึ้น
• ปัญหาคอร์ดสวยแต่เพลงไม่เดิน

Assignment

• เขียน chord progression 4 แบบจากอารมณ์ที่ต่างกัน
• เลือก progression หนึ่งชุดไปต่อยอดเป็นท่อนเพลง

5. Note Relationship

ความสัมพันธ์ระหว่างโน้ต เมโลดี้ และคอร์ด

Session นี้เป็นจุดสำคัญของคอร์ส เพราะเป็นเรื่องที่ทำให้ผู้เรียนเริ่มเข้าใจว่า “ทำไมโน้ตนี้ถึงเวิร์กกับคอร์ดนี้” และ “ทำไมบางเมโลดี้ถึงฟังดูใช่หรือไม่ใช่”

หัวข้อหลัก

• Chord tones และ non-chord tones
• Scale degree กับความรู้สึกของโน้ตแต่ละตัว
• Tendency tone และแรงดึงดูดของโน้ต
• Target note ในเมโลดี้
• Passing tone, neighbor tone, suspension
• การวางโน้ตสำคัญบนจังหวะสำคัญ
• ทำไมเมโลดี้บางอันชนคอร์ดแล้วเพราะ
• ทำไมบางอันชนแล้วพัง

Assignment

• วิเคราะห์เมโลดี้หนึ่งท่อนว่าแต่ละโน้ตสัมพันธ์กับคอร์ดอย่างไร
• เขียนเมโลดี้ใหม่โดยกำหนด target note ล่วงหน้า

6. Non-Diatonic Techniques

เทคนิคคอร์ดและโน้ตนอกคีย์

Session นี้สอนการออกนอกคีย์อย่างมีเหตุผล เพื่อเพิ่มสีสัน ความลึก และความ modern ให้เพลง โดยไม่ทำให้เพลงฟังหลุดหรือซับซ้อนเกินจำเป็น

หัวข้อหลัก

• Borrowed chord
• Secondary dominant
• Modal interchange เบื้องต้น
• Chromatic passing chord
• Non-diatonic bass movement
• Pivot chord และการเปลี่ยนคีย์แบบง่าย
• การใช้คอร์ดนอกคีย์ในเพลง Pop
• วิธีทำให้เทคนิคซับซ้อนฟังเป็นธรรมชาติ

Assignment

• นำ progression diatonic ธรรมดามาเพิ่ม non-diatonic technique
• วิเคราะห์เพลงจริงที่ใช้คอร์ดนอกคีย์อย่างมีรสนิยม

7. T-Pop Analysis

วิเคราะห์การแต่งเพลงแบบ T-Pop

Session นี้พาผู้เรียนวิเคราะห์เพลงไทยร่วมสมัย เพื่อดูว่า T-Pop มีวิธีสร้างอารมณ์ เมโลดี้ โครงสร้าง และการเล่าเรื่องอย่างไร

หัวข้อหลัก

• โครงสร้างเพลง T-Pop ยุคปัจจุบัน
• เมโลดี้แบบภาษาไทย: วรรณยุกต์ จังหวะคำ และการร้อง
• คอร์ดที่พบบ่อยใน T-Pop
• Emotional arc ในเพลงไทย
• ความสัมพันธ์ระหว่างเนื้อร้องกับเมโลดี้
• เพลงช้า เพลงกลาง เพลงเต้น ในมุม songwriting
• จุดแข็งและข้อจำกัดของ T-Pop

Assignment

• วิเคราะห์เพลง T-Pop 1 เพลงแบบเต็มโครงสร้าง
• ดึง songwriting technique 1 อย่างไปทดลองใช้กับเพลงของตัวเอง

8. Inter Pop Analysis

วิเคราะห์เพลง Pop สากล

Session นี้เน้นการอ่านภาษาของเพลง Pop ระดับ international ทั้งในแง่ความกระชับ hook economy, topline, groove และ production-aware songwriting

หัวข้อหลัก

• Western Pop structure
• Topline writing
• Hook economy: ใช้น้อยแต่จำได้
• Verse ที่เล่าเรื่อง vs Chorus ที่สรุปอารมณ์
• Loop, groove และ minimal harmony
• การใช้ repetition อย่างมีประสิทธิภาพ
• ความแตกต่างระหว่างเพลงที่ดีในเชิง writing กับเพลงที่ดีในเชิง production

Assignment

• วิเคราะห์ Inter Pop 1 เพลง
• เขียน topline สั้น ๆ บน loop เดิม 2 เวอร์ชัน

9. K-Pop Analysis

วิเคราะห์การแต่งเพลงแบบ K-Pop

Session นี้เน้นความซับซ้อนของ K-Pop ในฐานะเพลง Pop ที่รวม songwriting, arrangement, section design และ performance เข้าด้วยกันอย่างเข้มข้น

หัวข้อหลัก

• Section design ใน K-Pop
• Pre-chorus และ build-up แบบ K-Pop
• Chorus, drop, post-chorus, dance break
• Contrast ระหว่างท่อนต่าง ๆ
• การเปลี่ยน texture / rhythm / key center
• Hook หลายชั้นในเพลงเดียว
• Group arrangement กับ songwriting
• ทำไม K-Pop ถึงเปลี่ยนเยอะ แต่ยังฟังเป็นเพลงเดียวกัน

Assignment

• วิเคราะห์ K-Pop 1 เพลงโดยแยก section และ energy map
• ออกแบบเพลงที่มี contrast ระหว่าง verse / pre / chorus ชัดเจน

10. J-Pop Analysis

วิเคราะห์การแต่งเพลงแบบ J-Pop

Session สุดท้ายพาผู้เรียนเข้าใจภาษาของ J-Pop ซึ่งมักมีความละเอียดทาง melody, harmony, modulation และ emotional movement สูงกว่า Pop หลายสาย

หัวข้อหลัก

• Melodic density ใน J-Pop
• Chord movement แบบญี่ปุ่น
• Secondary dominant, borrowed chord, modulation
• Verse ที่มีรายละเอียดสูง
• Chorus ที่พุ่งและมี emotional lift
• Rhythm ของเมโลดี้แบบ J-Pop
• อิทธิพลจาก anime song, city pop, Shibuya-kei, rock, jazz-pop
• สิ่งที่คนแต่งเพลงควรเรียนรู้จาก J-Pop

Assignment

• วิเคราะห์ J-Pop 1 เพลงในเชิง melody + chord
• สรุป technique ที่อยากนำไปใช้กับเพลงตัวเอง
• Final Project: เขียน demo song sketch 1 เพลง โดยใช้สิ่งที่เรียนจากทั้งคอร์ส

Final Project

ผู้เรียนจะต้องสร้าง Modern Pop Song Sketch ความยาวประมาณ 1–2 นาที ประกอบด้วย

• โครงสร้างเพลงที่ชัดเจน
• Chord progression ที่เลือกอย่างมีเหตุผล
• Melody / Hook ที่มี direction
• ความสัมพันธ์ระหว่างเมโลดี้กับคอร์ด
• อย่างน้อย 1 เทคนิค non-diatonic
• Reference analysis จากเพลงจริง 1 เพลง

เป้าหมายของ Final Project ไม่ใช่การทำเพลงให้โปรดักชันสมบูรณ์ แต่คือการพิสูจน์ว่าเพลงมี “กระดูกสันหลังทางการแต่งเพลง” ที่แข็งแรงพอจะนำไป arrange และ produce ต่อได้